Oscar 2017: la gala como reclamo social

“Los actores de carne y sangre son trabajadores migrantes. Viajamos por todo el mundo, formamos familias, construimos historias, construimos vida que no puede ser dividida.  Como mexicano, como latinoamericano, como trabajador inmigrante, como ser humano estoy en contra de cualquier forma de muro que quiera separarnos.”

– Gael García Bernal durante la 89ª entrega de los Premios Oscar

La noche del 26 de febrero se llevó acabo la Entrega de los Premios Oscar que celebra lo mejor del cine de 2016, y como cada año llegó con sorpresas, momentos para la historia y mucha, pero mucha politización. Y como nuestra intención no es reducir la gala al momento más incómodo y vergonzoso en la historia de la ceremonia, trataremos de sacar lo mejor que dio, enfocándonos en este halo de protesta política y social en la que se vio envuelta.

No es nuevo que la ceremonia, a través de quienes tienen la posibilidad de subir al estrado y hablar ante el micrófono, sea un escaparate del reclamo sociopolítico que está en boga, sobre todo por la tendencia de los artistas en Hollywood hacia ideologías más demócratas (aunque los dueños de la industria sean lo contrario). Se vio en la 45ª edición donde Marlon Brando rechazó el premio a Mejor Actor por El Padrino en protesta por el trato que se le daba a los Nativos Americanos en la industria hollywoodense; o en la 87ª entrega donde Patricia Arquette dio un discurso sobre la falta de oportunidades que sufren las mujeres en el rubro. Pues bien, en la ceremonia de este año no faltó la protesta que ya se tenía en mente desde semanas antes: Trump y su megalomanía y radicalismo frente a temas de odio entre naciones y personas.

Duro contra el muro… y contra la discriminación

El discurso pronunciado por el actor mexicano Gael García Bernal, después de entregar el premio a Mejor Corto Animado, fue el ejemplo más representativo contra la discriminación sistemática que, desde el gobierno de los Estados Unidos, se intenta materializar a través de políticas públicas que afectan a millones de inmigrantes (con especial puntería a latinos y musulmanes) que no tienen documentos de residencia, no importando si son una importante fuerza laboral en dicho país. Este pequeño discurso fue nuestro favorito pero claro que no fue el único; el director iraní Asghar Farhadi, quien ganó por mejor película extranjera, decidió no asistir por respeto a las personas de siete países con mayoría musulmana (incluido Irán) a quienes les prohíben la entrada a EU, y envío una carta que fue leída por dos iraníes estadounidenses. Otros hicieron lo propio como el anfitrión del evento, Jimmy Kimmel, quien en reiteradas ocasiones ridiculizó al actual presidente de los EU por medio de su ya distintivo sentido del humor.

Otro reclamo presente fue en contra de la discriminación a las personas de raza negra, a propósito del #BlackLivesMatter y del #OscarSoWhite que el año pasado inundó los medios por la falta de representación de afroamericanos en la entrega de los Oscars. Gracias a la nominación y obtención de premios de diferentes películas en varias categorías como Fences, Hidden Figures, pero principalmente Moonlight, se logró visibilizar tal discurso. Tan solo hay que darle otro vistazo a las palabras de la actriz Viola Davis cuando recibió el premio a Mejor Actriz de Reparto, para darnos cuenta de la importancia que sigue teniendo hoy en día hablar sobre cuestiones raciales. Cuestiones que parecieran estar resueltas pero que están más vivas que nunca, siendo Hollywood un reflejo perfecto de ello. Y es importante hablarlas porque al fin y al cabo el cine y las películas se tratan sobre sus personajes, sobre la gente.

Por otro lado, aunque no se pronunciaron acerca de ello, cuestiones sexuales no faltaron: Casey Affleck fue premiado a Mejor Actor por Manchester by the Sea en medio de la polémica en redes sociales sobre las acusaciones de acoso sexual en su contra. El premio fue merecido por su labor actoral, pero no se pueden ignorar las implicaciones externas y el hecho de que fue señalado por estas acusaciones. Antes de la ceremonia se hablaba que la Academia no debía premiar a personas que tuvieran tales cargos en su contra ya que era premiar sus acciones en lo global. Pero tal cual se refleja en la mayoría de los filmes y en el día a día de Hollywood, esos temas no son algo que importe mucho en la industria, a menos claro que así lo requiera el contexto en el que se desenvuelva la ceremonia. El colmo fue que seleccionaron a la actriz Brie Larson, defensora declarada de personas agredidas sexualmente, para que le entregaran el premio a pesar de su expresión de desaprobación al anunciar al ganador. Así mismo pasó en los Globos de Oro hace algunas semanas.

Noche de alegrías, sorpresas y Jimmy Kimmel.

La gala, a pesar de un ambiente que algunos podrían definir como políticamente correcto, se desarrolló sin ningún problema y sin caer en la pretensión absurda, y no cabe duda que gran parte de esto se lo debemos a la buena labor de Jimmy Kimmel. El conductor y comediante aprovechó y ofreció muchos momentos graciosos sin dejar de lado los temas que ya se han tocado en esta entrada pero sin caer en la provocación fácil. Una de las bromas más hilarantes fue cuando proyectó la pantalla de su móvil para ver cómo tuiteaba al presidente de los EUA por la falta de actividad de éste en la noche de los premios. Como bien se sabe, Twitter es la plataforma preferida de Donald Trump tanto para opinar de asuntos públicos, como para exponer posturas de calibre político e internacional, como para pelearse con celebridades. Como fuere, Kimmel salió avante y fue de lo mejor de la noche.

En cuanto a los premios se puede decir que en su mayoría fue una entrega justa dentro de lo que cabe y dejando a un lado que hubo películas, actores y apartados de producción que merecían nominación y ni eso obtuvieron, y solo unas cuantas estatuillas dejaron un sabor agridulce (Mejor Maquillaje se lo llevó Suicide Squad dejando en el camino a Star Trek Beyond, donde el trabajo fue infinitamente superior). Moonlight fue la gran ganadora al alzarse como Mejor Película después de que, por error, el premio iba a dar a La La Land, repitiendo un momento tan incómodo como el vivido en Miss Universo el año pasado; también se llevó el premio a Mejor Actor de Reparto para Mahershala Ali y Mejor Guión Adaptado juntando un total de 3 estatuillas. Le sigue La La Land que se llevó a casa 6 galardones quedando como la máxima ganadora de la noche. Los otros títulos más premiados fueron Hacksaw Ridge y Manchester by the Sea con 2 Oscars cada una.

Después de una noche memorable, por decir menos, los premios Oscar demostraron porqué siguen siendo una de las entregas más importantes en el mundo del cine (que no la mejor y aunque en su mayoría se enfoque a la industria hollywoodense). Las apariciones de diferentes voces, los discursos a favor de la igualdad y el respeto a la diversidad, pero sobre todo la influencia que ha tenido el cine estadounidense en el mundo, así como el reconocimiento a quienes hacen posible la creación de estas películas que nos emocionan, nos conmueven y nos cuestionan, es lo que hace grande al Oscar, aunque a veces cojean como en el caso de Casey Affleck y Brie Larson. Se puede hablar de que no premian lo mejor del año al reducirse a su propio mercado pero, además de que no es precisamente la pretensión de la Academia premiar lo mejor del cine mundial, también sería reducir su labor como reconocimiento cultural a obras artísticas que influyen en las personas, en las comunidades y sociedades, y que dejan una herencia social y cultural que marca generaciones y que crea pensamientos e ideas que enriquecen al ser humano.

Texto por: @Sezaruaugusuto y @alejandrotello


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Que la Fuerza la acompañe: #CarrieFisher

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Un gran disturbio en la Fuerza se sintió hoy luego de que Carrie Fisher, famosa por interpretar a la Princesa Leia en el universo de Star Wars, falleciera este martes 27 de diciembre a las 8:55 horas (tiempo de Los Angeles), como consecuencia de un infarto que sufrió el viernes pasado durante un vuelo de Londres a Los Angeles.

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Reacciones de todas partes del mundo no se hicieron esperar luego del triste suceso, puesto que Fisher representaba uno de los personajes de una de las sagas más populares en la historia del cine. «La guerra de las galaxias» (1977) (renombrada posteriormente como «Una nueva esperanza») no fue su debut en la pantalla grande, sin embargo fue la película que la catapultó hacia los reflectores de Hollywood. Luego  siguieron «El imperio contraataca» (1980) y «El regreso del jedi» (1983).

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Después de la trilogía original de Star Wars, la carrera de Fisher no despuntó como se hubiera esperado, teniendo papeles de poca mecha en algunas películas. También incursionó como escritora y guionista. Tuvo fuertes problemas personales, por lo que cayó en la adicción al alcohol y a otras drogas, por lo que estuvo en varios procesos de desintoxicación.

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Para la continuación de la saga de Star Wars, volvió en su papel de Leia (ahora conocida más como general en lugar de princesa) a la entrega del episodio VII, «El despertar de la Fuerza. Así también, estaba confirmada su aparición en el episodio VIII, a estrenarse en diciembre del 2017.

Ahora Carrie Fisher, y Leia Organa, son una con la Fuerza. Descanse en paz.


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#PelículaDelMes ‘Escuadrón Suicida’ Clickbait

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Escuadrón Suicida (Suicide Squad – 2016, David Ayer), la que al inicio parecía ser una producción menos ambiciosa que sus dos hermanas mayores Man of Steel y Batman v Superman (2016, Zack Snyder), terminó por ser uno de los blockbuster más atrayentes de la temporada. Y como va siendo costumbre no llegó sin polémica. Por un lado la crítica especializada sentenciaba su falta de calidad, y por el otro la opinión más optimista del público decía que es un filme entretenido y divertido, aunque también decían que la crítica estaba vendida. Entre si Disney compra o no las críticas para acabar con su competencia en un plan por controlar un negocio que ya controla, no se puede dejar de lado que el filme estuvo rodeado de complicaciones.

En resumen, hubo reshoots y un corte alterno al original fue encargado a la compañía que realizó los avances, siendo esta versión la que se lanzó en cines. La intención de Warner era buscar aligerar el tono y hacerla más divertida, pues el corte original del director y escritor David Ayer era más ‘oscuro’ (a.k.a. rayo nolanizador), y escuchando las críticas recibidas por las películas de Zack Snyder, querían mostrar algo menos en serio. Sin importar las razones, parece que la decisión no fue la mejor ya que nos dieron un entretenimiento ambicioso y decepcionante a la vez.

Flashazos

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Hay buenos momentos sin lugar a duda. El casting es uno de los más interesantes que ha tenido una producción de DC. Will Smith y la ascendente Margot Robbie junto a Jared Leto son las estrellas más reconocidas, de éste último se generó hype alrededor de su personaje que era casi imposible cumplir. Viendo el resultado logran buenas adaptaciones de su versión comiquera, formando personajes con cierta empatía e interés de trasfondo. Sin lugar a dudas logran ser Deadshot, Harley Quinn y Guasón (Joker). Los demás hacen correctamente su personaje ayudados por una sobresaliente caracterización. Mención especial a El Diablo.

La sorpresa la encontramos en Viola Davis, quien interpreta a una Amanda Waller que pudo haber sido una perfecta villana principal para Escuadrón Suicida. Una antiheroína con la ética radical donde el fin justifica los medios, y es capaz de lo que sea para mantener el orden y sus intereses. Es ella quien idea al escuadrón, jurando que el gobierno de los Estados Unidos necesita un plan de seguridad a partir de la aparición de los metahumanos, específicamente Superman. Pero la villana no es ella, eso recae en Cara Delevigne interpretando a la arqueóloga June Moone -amor del Coronel Rick Flag (Joel Kinnaman)- quien es poseída por el espíritu de Enchantress, una bruja milenaria que quiere escapar del control de Amanda Waller y SUPER SPOILER destruir a la humanidad FIN DEL SUPER SPOILER. Ella sin lugar a dudas es el punto más flojo de la película.

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Los mejores momentos se los lleva Harley Quinn. Las escenas donde se luce el personaje son divertidas y nos dejan ver la buena decisión de casting. Deadshot termina siendo un arquetipo no muy especial pero Will Smith parece entregado al papel y su carisma ayuda. Amanda Waller siendo un personaje importante dentro de la trama lo hace de la mejor manera. Y de nuevo mención especial a El Diablo. El conjunto entrega flashazos de talento y calidad.

Y tenemos a Joker. Tanta parafernalia alrededor para que su aparición se redujera a un cameo. Parece ser que detrás de ello hay algo que vale la pena pero termina siendo de lo peor de la película simplemente porque su aparición no aporta absolutamente nada. Sus acciones y decisiones no tienen mínima repercusión en lo que acontece.

 

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Lamentablemente las historias de cada personaje se reducen a clichés, e incluso en algunos son anecdóticos. La trama principal son situaciones predecibles y momentos fugaces, lo que vemos en escena no trasciende en lo que sea que querían contar, y sabes las cosas porque los personajes te las dicen, no porque las veas (soy malo porque soy malo o estoy loco porque estoy loco). La historia se quema por sí sola y no por falta de posibilidades sino por falta de imaginación, reduciendo el espectáculo a una lluvia de balas y peleas donde no se ve nada más que el trasero de Harley y su bonita sonrisa; y por la inclusión en el metraje de unos flashbacks que no aportan la supuesta profundidad que deberíamos sentir por el escuadrón de supuestos lunáticos.

Lo negativo también recae en puntos tan básicos como de coherencia (nitpicking ¿para qué hacen un “Suicide Squad” si van a mandar dos equipos más de soldados? ¿dónde está la misión que solo un equipo de escoria humana puede encargarse? ¿Enchartress? Se supone que son el equipo que acabaría con Superman) y sentido (nitpicking el soundtrack es realmente bueno pero hostiga con una canción tras otra como si la presentación de cada personaje fuera un teaser tráiler de su propia película).

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La nula historia, las escenas saturadas, lo predecible que llega a ser, los excesivos cortes y el intenso bombardeo de chistes y referencias a los cómics (competición a ver quién mete la mayor cantidad de easter eggs posibles) terminan por ofrecernos una película con algunas buenas secuencias pero sin nada memorablemucho ruido y pocas nueces. Un producto más de la factoría de Hollywood, un trailer de dos horas con toda la fórmula de videoclip, basado en estrategias de negocio y no en la intención de hacer cine.

Con un futuro aún esperanzador, el Universo Expandido de DC promete al menos dos películas más ya en producción (Wonder Woman y Justice League) y como otras 50 de aquí en los próximos años. Esperemos que esta vez tengan ideas claras de qué es lo que quieren hacer con su universo cinematográfico y hagan algo que realmente valga la espera y el hype.

Deshabitar el mundo (y hacinarlo en «El Rascacielos»)

Texto de Alejandro Tello, co creador de Blanks, publicado originalmente en Cine qua non. El autor agradece ampliamente la invitación a escribir esta colaboración.

 

Fuente: internet

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El fin del mundo es asociado comúnmente con la destrucción del planeta Tierra, o en su defecto, la aniquilación de la civilización humana (como si fuéramos lo único y más importante en el universo). Al no haber ocurrido hasta este momento algún suceso que produzca de tajo alguno de esos escenarios, en las películas suele narrarse el fin como algo a futuro (en el corto, mediano o largo plazo, pero al final, en un momento futuro). 

En High-Rise (2015), dirigida por Ben Wheatley y con un guion escrito por Amy Jump basado en la novela homónima de J. G. Ballard, podemos observar un fin del mundo a través de la metáfora de un rascacielos multifuncional en donde ocurren situaciones que ya hemos vivido desde hace algunos decenios a la fecha. Algunos ejemplos son la escasez de recursos, la marcada jerarquización de las clases sociales, la toma de decisiones por unos pocos, el abandono del espacio público. En general, muchas atribuciones al capitalismo puro. «Un futuro que ya ha tenido lugar», como dice el doctor Laing (Tom Hiddleston), protagonista del filme. 

Y es que la historia transcurre al interior de un rascacielos destinado a casa habitación de una gran cantidad de gente, entre familias diversas, personas solteras, profesionistas y demás. Aunque no se limita sólo a ser vivienda, sino que ofrece otras instalaciones de todo tipo para que las personas que habitan la torre no tengan motivos para salir de ella, ya que en diversos pisos hay supermercados, gimnasios, piscinas y demás áreas que tienen la finalidad de cubrir las necesidades de diferente índole de las y los residentes. Sólo algunas contadas personas salen a trabajar fuera de la torre, como el doctor Laing, que pareciera es psiquiatra y trabaja en un hospital-escuela de la ciudad. 

La distribución de los y las habitantes del rascacielos es en función de las clases sociales a las que pertenecen: en los niveles inferiores se instalan las personas con un poder adquisitivo más limitado que quienes habitan los niveles superiores, que tienen más dinero, más poder y ciertos privilegios particulares, y que en muchas ocasiones determinan el destino de quienes habitan en los niveles inferiores. En el nivel más alto vive el arquitecto Anthony Royal (Jeremy Irons), quien diseñó la torre (como parte de un conjunto de cinco rascacielos que simularían una mano al final de la construcción) y que hasta un punto de la historia es el único que toma las decisiones sobre lo que pasa en el edificio. 

Fuente: internet

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Dos, de las antes mencionadas, son en particular las causas de la destrucción de esta sociedad del rascacielos: la escasez de recursos y el abandono del espacio público. En cuando a la primera, no bien se ha instalado el doctor Laing en su nuevo departamento, comienzan a hacerse visibles (¿antes no lo eran?) fallas en el suministro de energía eléctrica, mientras en los pisos superiores se celebran fiestas llenas indiferencia a las carencias que hay en los pisos inferiores. Con los cortes en la energía eléctrica se suscitan reclamos y enfrentamientos que no sólo sitúan en polos opuestos a quienes viven arriba y quienes viven abajo, sino que la situación se convierte en una gran pelea entre cualquiera que vea a alguien más: los supermercados son saqueados, hay golpizas hasta por una lata de pintura, la gente invade otros departamentos… hasta la violación a mujeres se hace presente. Sin duda, la escasez de los recursos es causa de la barbarie, pero se acentúa específicamente por la inadecuada distribución de los recursos existentes. Al final, en el capitalismo siempre habrá personas de primera clase y las demás. 

La segunda razón de la debacle es el abandono del espacio público al colocar en el hacinamiento a las personas, creando así una sicosis colectiva. Fuera de la torre no se observa actividad humana alguna. No hay nadie caminando, ni carros en movimiento. Las pocos planos generales del rascacielos completo muestran el resto de la ciudad completamente ausente de vida. Únicamente en el estacionamiento del edificio es donde se observan personas, aunque sólo en los momentos de paso rumbo a su automóvil y después de eso desaparecen. Llama la atención que, cuando ya reina la violencia, un policía visita el rascacielos pero el arquitecto Royal le impide el paso y niega que haya una situación que atender. Este policía y la secretaria del doctor Laing son las únicas personas externas al rascacielos que aparecen a cuadro. 

¿Son la escasez de recursos y el abandono del espacio público el fin del mundo? Del mundo como lo conoces, al menos, sí. Una causante principal de las guerras y la consiguiente destrucción que traen ha sido la obtención de recursos, como petróleo o agua. Además, se destinan otros para el desarrollo mismo de la guerra que bien podrían ser utilizados con fines más humanitarios, como vivienda o comida. A final de cuentas, en el capitalismo cada centavo que tiene alguien en su cartera es un centavo que alguien más debe.

Así también, desde hace siglos se ha reconocido al espacio público como un elemento vital de la sociedad en la cual se colocan de frente todo tipo de personas, sentimientos, hechos, ideas; y esto se da en diferentes niveles: lo político, lo cultural, lo social, etcétera. Basta con observar las protestas sociales, los mítines, los conciertos en plazas públicas, la reta de fútbol en el parque de la colonia, los mercados, y diversas manifestaciones más que han tenido realce en los últimos años como el caminar la ciudad o la apropiación de las calles por medios de transporte no motores. 

Fuente: internet

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No es que estas situaciones sean algo que se presente de único episodio y provoquen la hecatombe, sino que minan la poca estabilidad que tienen los cimientos de la civilización con un modelo económico que, lejos de solucionar los problemas que nos aquejan como sociedad, fomentan la destrucción de la otredad. Cualquier situación que atente en contra de estos aspectos señalados, conlleva a un posible fin del mundo. 

Royal menciona que concibió el edificio para ser un crisol de cambio. Sin embargo, es evidente cómo fracasa el intento de proveer y con ello controlar a quienes habitan el rascacielos. Hacia el final, ni los colaboradores de Royal le son fieles a él, sino que expresan su lealtad con el rascacielos mismo: pareciera que las mismas personas han desaparecido. Por ello no es tan conveniente tratar de colonizar el cielo en el intento de olvidar la situación abajo, en las calles, como pretendía Royal. Aunque toda inversión a futuro tendrá sus riesgos, y más al enfrentarte a un fin del mundo. 

«El sistema de libre empresa es necesario, pero no es una condición suficiente. Hay solamente un sistema económico en el mundo y ese es el capitalismo. La diferencia radica en si el capital está en manos del Estado o si la mayor parte del él está en manos de personas fuera del control del Estado. Donde hay un estado capitalista jamás habrá libertad política». – Margaret Thatcher


High-Rise | El Rascacielos [título en español]
2015 | 199 minutos | Inglés | Reino Unido
Dirección: Ben Wheatley
Guión: Amy Jump [basado en High Rise de J. G. Ballard]
Producción: Jeremy Thomas
Casas productoras: Recorded Picture Company, Film4, British Film Institute, HanWay Films, Northern Ireland Screen, Ingenious Media
Reparto: Tom Hiddleston, Jeremy Irons, Sienna Miller, Luke Evans, Elisabeth Moss
Fotografía: Laurie Rose
Música: Clint Mansell
Edición: Amy Jump y Ben Wheatley


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‘Assassin’s Creed’ tráiler de la nueva película con Michael Fassbender

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Y no solo Micheal Fassbender, el reparto lo complementan Marion Cotillard, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Ariane Labed y Matias Varela, quienes se encuentran a las órdenes de Justin Kurzel (director de Macbeth donde ya trabajó con Fassbender y Cotillard). Esas cartas son suficientes para que Assassin’s Creed se convierta en algo interesante qué ver, y juzgando por lo que se muestra en el trailer, parece que por fin estamos ante una película basada en un videojuego que no parece ser un auténtico bodrio como regularmente son este tipo de adaptaciones. Está siendo bien recibido entre la audiencia, sobre todo entre los fans más acérrimos del juego. Lo poco que enseña hace que uno sea optimista, a pesar del tema musical que no encaja mucho. Pero es un primer avance, uno segundo donde muestren más de la trama podría darnos mejores sensaciones y terminar de convencernos.

Assassin’s Creed, junto a Warcraft El Origen, es parte de una nueva ola de adaptaciones de videojuegos que salen este año – algo así como en su momento fueron las películas de X-Men (2000) y Spider-Man (2002) – y muchos esperan que den banderazo a la realización de más y mejores adaptaciones de videojuegos (y que eventualmente se conviertan en lo que ahora mismo son las adaptaciones de cómics). La trama gira en torno al criminal Callum Lynch, quién es rescatado de su sentencia de muerte por Industrias Abstergo. Es obligado a participar en el Proyecto Animus, donde viajará a las memorias pasadas de su ancestro Aguilar de Nerha en la Inquisición Española, y quien fue parte de los Asesinos, antiguos enemigos de la Orden de los Templarios. Se estrena el 21 de diciembre de este mismo año.

Reseña ‘Capitán América: Civil War’

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El pasado fin de semana llegó a la cartelera mexicana la última gran producción de Marvel-Disney: Capitán América Civil War. Ya es la treceava película del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU por sus siglas en inglés) y se estrenó rompiendo récords de taquilla en nuestro país, además está siendo considerada por la crítica especializada como una obra definitiva del género. Y vaya que estamos ante un buen entretenimiento con grandes momentos, donde brillan sus protagonistas y (no todas) las bien ejecutadas escenas de acción, además de salir airoso adaptando una trama que implicaba grandes cambios logrando mantener la esencia y entregando un filme que entra directamente entre lo mejor de Marvel. Pero hay que ser realistas, Civil War se queda peldaños abajo de ese reducido grupo de películas sobresalientes del MCU (y ni hablar de todo el género) por culpa de una superficialidad de la que ya sufría su contra parte comiquera y de que sus pretensiones aspiraban a más, volviéndola una lluvia de ideas interesantes que muchas veces sólo se quedan en eso. Un mal que viene cometiendo Marvel con la mayoría de sus películas y parece que no quiere corregir. Por cierto, de aquí en adelante encontrarán ligeros SPOILERS.

Vigilando a los Vengadores

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Todo parte de una premisa muy interesante: ¿Quién vigila a los vigilantes? No, no tiene que ver con Watchmen pero hasta cierto punto intenta hablar de algo similar a lo expuesto en la obra de Alan Moore. Aquí se colocan a los Vengadores en un enfrentamiento ideológico a causa de los sucesos ocurridos en películas pasadas (Nueva York, Soldado de Invierno y Ultrón), así como en lo que ocurre en la intensa y caótica secuencia de apertura: una misión que termina en éxito pero con bajas colaterales a causa de una bomba suicida que termina con la vida de un villano desaprovechado (no siendo el único personaje desaprovechado de la película). Dicha secuencia sólo sirve en la trama para cuestionar al equipo sobre sus actividades, a pesar de haber recuperado lo que parece una sustancia potencialmente peligrosa para la humanidad, y de la cual no volvemos a saber nada.

Es cuando entra en escena el polémico Acuerdo de Sokovia que obliga a los Vengadores a rendir cuentas a los gobiernos de las Naciones Unidas y que los vuelve agentes que sólo pueden actuar cuando así les autoricen. Por un lado Steve Rogers cuestiona la naturaleza y aplicación de dicho documento pues parece implicar aceptar la responsabilidad de los actos criminales que combaten, pero uno puede darse cuenta rápidamente que las motivaciones del Capitán para cuestionar el acuerdo no son lo suficientemente coherentes con el personaje y sus acciones. ¿Por qué no aceptar un acuerdo que trata de evitar que haya menos daño colateral y menos víctimas inocentes? Su único argumento es que puede haber alguna situación en la que deberían presentarse pero puede no los dejen. Por otro lado Tony Stark cree que es una situación inevitable y que es mejor aceptar ahora dicho acuerdo porque después alguien más los puede obligar, y esto tampoco tiene mucho sentido siendo la ONU y el gobierno de EEUU quienes piden a los Vengadores a firmar el documento sí o sí, sin alguna otra alternativa más que el retiro. Incoherencias así nos encontramos en toda la película, pero a pesar de ello el conflicto funciona no solo porque logran cimentar las bases de cada bando, sino porque es un problema que se viene sembrando en películas anteriores.

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El primer acto se resume en poner sobre la mesa todas estas motivaciones, y al margen de todo los hermanos Russo lo hacen bien. Las situaciones de debate y discusión están perfectamente contrapuestas a las secuencias de acción que hacen a la trama avanzar y darle peso dramático a las posturas de los héroes. Podemos tener un equipo preferido, pero no por eso sentimos menos empatía por las razones del contrario, además que la inclusión del villano en turno, Zemo – interpretado de buena forma por el más desconocido que conocido Daniel Brühl (muy buen actor por cierto) – cuya historia y plan van desarrollándose paralelamente con algo más de cautela, nos da la información suficiente para no culpar del todo a los superhéroes. Esto también ayuda a que el efecto sorpresa no sea predecible, e influye lo suficiente para que los dos bandos terminen por llegar a ese enfrentamiento que todos esperamos. Pero el segundo acto, sobre todo cuando el personaje de Bucky termina por ser la manzana en discordia, tira por la borda lo anteriormente planteado y vuelve el conflicto de algo ideológico, político y social (más de una hora se enfoca a eso) a uno meramente personal. A Capitán América solo le interesa defender a su amigo de la infancia y que no pise la cárcel, y Iron Man termina por legitimar una caza de brujas donde no les importa que el Soldado de Invierno sea una víctima de Hydra y su lavado de cerebro, todo por la infundada culpa que siente por la muerte de un estudiante. Absurdo.

Nuevos conocidos y viejos conocidos

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Un punto a favor y que generó mucha expectativa es la inclusión de los nuevos personajes. La introducción de Spiderman está muy bien resuelta y sirve como pequeño avance de lo que nos espera en su nueva película en solitario, desgraciadamente su inclusión en el conflicto está metido con calzador, al igual que la de otros personajes como Ant-Man y Hawkeye. El segundo tiene algo más de sentido pero sigue siendo un personaje secundario que no aporta mucho, mientras que el primero decide entrar a la lucha por razones tan absurdas como que es fan de Capitán América y nada más. Por otro lado Black Panther brilla por méritos propios y es uno de los personajes mejor aprovechados. Su participación no se limita al cameo, sus razones están bien establecidas y es parte importante dentro de la esperada pelea y resolución.

Pero estos aciertos costaron, y quienes terminan pagando son héroes tan interesantes como desaprovechados. Visión y Wanda protagonizan buenos momentos que daban para más. Empezamos a ver, aunque poco, una creciente relación entre ellos; pero más interesante es cuando ella decide no ser parte del plan de Tony Stark y se atreve hacerle frente a Visión, en una escena que parecía un preludio a un combate que nunca sucede. Esto me lleva al confrontamiento principal y por el que muchos fuimos al cine: la pelea en el aeropuerto. La escena cuenta con los mejores momentos de la película, con una acción mucho mejor planeada que el resto, con momentos sorpresivos como la gran participación de Ant-Man o secuencias emocionantes como las peleas donde participan Spiderman y Black Panther. Pero también aquí se muestran los puntos más débiles que se ven reflejados en toda la película, como el hecho que Visión y Wanda muchas veces no salen a cuadro; por momentos hace que uno se pregunte qué demonios se encuentran haciendo. Al final da la sensación que no supieron qué hacer con ellos y por eso mejor que salgan lo mínimo en pantalla. Algo decepcionante ya que una hipotética pelea entre los dos hubiera dado para mucho, y el nivel de la secuencia hubiera aumentado exponencialmente. Otro punto en contra es que la lucha termina sin mucho riesgo; sí, no es un mal final para la pelea, pero no toman riesgos y termina sabiendo a poco, porque ni el error de Visión ni la caída de War Machine son suficientes para terminar de romper la relación de los héroes, por mucho que la película no se canse de decir que el grupo está quebrado.

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Sinceramente muchos de estos errores no terminan de hacer mal a la película, pero eso se lo atribuyo a que sentimos apego por los personajes no solo porque llevamos 8 años conociéndolos, sino por lo entregados que están cada uno de los implicados. Y se nota que les gusta mucho su respectivo personaje. Scarlett Johansson vuelve a ser de lo mejor con uno de los personajes con más conflictos a pesar de establecer su bando. Chadwick Boseman interpreta a Black Panther, quien tiene cierto acercamiento a Black Widow tanto en la historia como en personaje, y de igual forma funciona de maravilla volviéndolo de lo mejor de la película. Un escalón abajo queda Tom Holland como Spiderman. Lo único malo, como ya dije, es que se siente como un cameo forzado, aunque su introducción está genial porque el actor lo hace muy bien (puntos extras por Marisa Tomei como la renovada y sexy Tía May). Es muy poco para juzgar o considerarlo el mejor Spiderman pero deja buen sabor de boca (personalmente me sigo quedando con el Spiderman de Sam Raimi).

Anthony Mackie como Falcon sigue como secundario pero creo que sale mejor parado que, por ejemplo, Hawkeye, quien por cierto vuelve a ser bien interpretado por Jeremy Renner a pesar de que sigue sin resaltar. Algo similar pasa con Don Cheadle como War Machine: bien pero hasta ahí. Sebastian Stan es Bucky y con todo y que lo limitan a correr y golpear, su conflicto interno lo lleva muy bien. Paul Bettany como Visión y Elizabeth Olsen como Wanda hacen lo que pueden con lo poco que les dan, son los personajes que más me decepcionaron pero por lo desaprovechados que están. Paul Rudd lo mismo, pero gracias a la pelea es que brilla mucho. Chris Evans sigue correcto como Capitán América, pero se nota el gusto que le tiene al personaje lo que ayuda en su interpretación y logra mantener el show cuando las secuencias se centran en él.

Pero al final el que se vuelve a robar la película es Robert Downey Jr. Tanto así que la película pudo haberse llamado Iron Man Civil War y creo que no habría diferencia o incluso tendría más sentido (tampoco habría problema que la llamaran Avengers 2.5, pero bueno). No solo es el que tiene más minutos después del Capitán, sino el que termina por tener más importancia en toda la película, y es parte clave para la resolución final. La última pelea cuenta con la suficiente fuerza narrativa gracias al buen villano que termina siendo Zemo (aunque ni él se salva de las inconsistencias), así como por los tres héroes implicados y la correcta puesta en escena de los hermanos Russo, lo que la vuelven uno de los mejores momentos que nos ha dado Marvel en el cine. Esto deja las cosas muy interesantes para el futuro de los Vengadores y es un buen inicio de la Fase 3.

Diversión y entretenimiento sin riesgo

Como conclusión, Civil War es una película que por méritos propios brilla lo suficiente para considerarla de lo mejor que ha dado la dupla Disney-Marvel. Muy entretenida, divertida y con grandes momentos, pero se queda lejos de ser la película definitiva de superhéroes por los errores que se encuentran en ella y el poco riesgo al que siguen apostando. Esto no solo es culpa de un guión mediocre tirándole a correcto o de la puesta en escena de los hermanos Russo que es buena pero impersonal, sino también por estar atada a un evento cinematográfico mucho más grande, y que poco a poco ha demostrado que Marvel no tiene un plan narrativo concreto como nos han venido diciendo desde hace mucho, más bien hay ideas generales al aire y que van resolviendo sobre la marcha. Esperemos que las siguientes producciones mejoren en ese aspecto, pero el hecho de que vengan más películas introductorias a nuevos mundos y personajes hace creer que esto se va a seguir alargando como el chicle. A ver si no se les rompe antes de tiempo.

‘La Chica Danesa’ Rumbo al #Oscar2016

the-danish-girlFalta poco menos de un mes para que se lleve acabo la para muchos aclamada entrega de los premios Oscar en su 88a edición, es por ello que queremos traerles un pequeño recuento de algunas de las películas más destacadas que se encuentran nominadas a tan aplaudidos y criticados premios. No serán todas las que hay, pero el sentido de esto no es extendernos y abarcar todo lo que acontece a dicha entrega, sino hablar de aquellas que, por las razones que sean, se han ganado la atención tanto mediática como la de los espectadores, además de que no hemos podido darles un visionado a casi ninguna de las películas.

Esta primera entrada la dedicaremos a uno de los estrenos más sonados de esta temporada, al menos hablando del territorio mexicano ya que dicha producción no tuvo una gran acogida en su estreno en los EEUU u otras partes del mundo. ‘La Chica Danesa‘ es la última producción a cargo del oscarizado Tom Hooper, estatuilla que se llevó gracias a ‘El Discurso del Rey‘. Estas dos películas guardan bastantes semejanzas: ambas son biopics históricos centrados en el drama personal de sus protagonistas, causado por un gran problema que les vuelve la existencia un martirio, así como el arduo camino que deben recorrer para poder cambiar su vida, claro, siempre acompañados de sus seres más importantes y queridos. Lamentablemente ‘La Chica Danesa’ se queda a medio camino, y ahí en donde ‘El Discurso del Rey’ llegaba a funcionar (es una película correcta, sin más), aquí falla ruidosamente, apostando por el drama fácil y alejándose de la emoción y empatía que la historia pretendía hacernos sentir.

El que mucho abarca…

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El mayor problema de la película es su guión. Escrito por la mano de Lucinda Coxon y basado tanto en la novela de ficción de David Ebershoff como, ligeramente, en sucesos reales, nos cuenta la historia de Einar Wegener (Eddie Redmayne que dudo se lleve el Oscar) – la primera persona que se realizó una cirugía de cambio de sexo – y de su esposa Gerda Wegener (Alicia Vikander, por mucho lo mejor de la cinta). Ambos son una pareja de pintores que viven cómodamente en la capital de Dinamarca donde Einar goza de cierto éxito gracias a sus pinturas paisajistas, mientras Gerda lo tiene más difícil: su obra no es aceptada tan fácilmente por su agente lo que le impide que pueda ser expuesta en una sala de arte, y mucho menos vendida. Convenientemente, y sin razón alguna más la de volver predecible la trama, se deja en claro que lo que ella necesita es una buena modelo para poder crear mejores obras. Modelo que rápidamente termina siendo su adorado esposo, y que solo es posible ser cuando toma el papel de Lili Elbe, la mujer que en realidad es y cuya existencia todos desconocían.

A partir de aquí la película se preocupa más por mostrar la forzada evolución de ambos personajes – diciendo poco con la narrativa de las imágenes o cayendo directamente en lo reiterativo – que en mostrar su desarrollo interno, así como el de sus motivaciones. No quiero caer en spoilers pero por dar un ejemplo, al inicio de la cinta el momento en que Einar tiene su primer contacto con ropa femenina no tiene la fuerza suficiente para hacernos sentir esa conmoción que demuestra el personaje. Y es que la película en todo momento hace uso de arquetipos, momentos y situaciones ya conocidas, lo que termina jugando en su contra ya que por culpa de esto gran parte del metraje se vuelve demasiado predecible y en varios momentos aburrido.

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Pero no solo es su guión, Tom Hooper tampoco es que arriesgue demasiado y su puesta en escena se queda en todo momento en lo más académico posible, limitándose a unir con coherencia todas las situaciones que viven los protagonistas, pero sin la potencia necesaria para retratar el camino tan difícil por el que la pareja supuestamente está atravesando. No es que caiga en la mediocridad ni mucho menos, pero no sale de la zona de confort de la profesión. Ni hablar de los apartados técnicos más importantes: música, cinematografía, montaje y demás, impecables cada uno en lo suyo pero nada que destaque sobre la media. Lo menos que se espera de una producción profesional, vaya.

Poco aprieta (pero aprieta)

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Afortunadamente la química que hay entre la pareja protagonista (al inicio al menos, y cuando Einar tiene más tiempo en pantalla), ayuda a generar empatía por ellos. Pero sobretodo es el papel de Gerda el que mejor dibujado se encuentra, gracias a la buena actuación realizada por Alicia Vikander. Al margen de que está limitada por el propio guión, la actriz sueca sabe sacar provecho de las situaciones en las que su personaje se ve envuelto, creando tanto a una artista talentosa, como a una esposa insegura, o a una mujer desconsolada; todo por el cambio repentino que vino a transformar radicalmente su vida, cambio que ella misma incitó desde la ignorancia del porvenir. Radical también la transformación física del personaje de Eddie Redmayne, entregado al papel aunque, a diferencia de su compañera de reparto, su Lili está saturada y su evolución no solo no es natural, sino que en varias ocasiones cae en el melodrama más simple, dando por momentos la sensación de que atraviesa por un problema de personalidad y no de identidad. Se limita demasiado volviendo al personaje que más debería conmovernos en el más forzado de todos. Sobre los demás no hay mucho qué decir: si no son anecdóticos, son meros individuos que se restringen a ser el fondo (muy plano) al servicio de la figura.

‘La Chica Danesa’ termina muy lejos de sus pretensiones, que a priori parecían muchas. Aspirar a contar un suceso tan importante, no solo para la comunidad transgénero, sino para la sociedad en general, tocando temas como el de la sexualidad, género e identidad, no es poca cosa. Al final es una película que busca ser políticamente correcta, martirizando e idealizando a un personaje que, sobra decir, pocos conocíamos y probablemente seguimos sin conocer del todo. Gracias al cosmos tenemos Wikipedia para arreglar eso.

 

Ganadores de los Globos de Oro 2016

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Con pocas sorpresas en el apartado cinematográfico, y más en el apartado televisivo, la gala de los Globos de Oro de esta noche – premios entregados por la  Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA por sus siglas en inglés) – destacó por el buen hacer de Ricky Gervais tirándole a todos por igual (pareciera que Mel Gibson se llevó el momento más incómodo de la noche), y por haber sido una entrega donde a (casi) todos les tocó su parte del pastel. Hubo varios momentos que destacar, como una ovación dedicada a Sylvester Stallone por ganar el globo a Mejor Actor de Reparto en un Drama, o la sorpresa de Lady Gaga al pasar a recoger su premio por Mejor Actriz en una Miniserie o TV Movie. Pero el que creo va a perdurar mucho más tiempo fue uno que no pasó desapercibido para las redes sociales.

Pero vamos a lo importante, los ganadores. Para gusto de muchos, Leonardo DiCaprio fue el ganador a Mejor Actor protagonista en Drama, aumentando las apuestas a su favor como ganador en la próxima entrega de los Oscar. Parece que este es el año de DiCaprio pero también de Alejandro González Iñárritu pues el mexicano hizo doblete: Mejor Dirección y Mejor Película Dramática por ‘El Renacido’ (The Revenant, 2015). Desde acá muchos lo felicitamos por este logro, que es de él y su equipo de trabajo, pero que definitivamente inspira a muchos mexicanos. De igual forma Gael García Bernal, para sorpresa de muchos y de él mismo, se llevó el galardón a Mejor Actor en comedia o musical.

Hablando más general, las grandes ganadoras fueron ‘El Renacido‘ con 3 galardones, y ‘Misión Rescate (The Martian, Ridley Scott) con dos galardones. En televisión, ‘Mr. Robot‘ dio la sorpresa en drama, y ‘Mozart in the Jungle en comedia. La “perdedora” de la noche fue el filme ‘Carol(Todd Haynes), que era la que contaba con más nominaciones, 5 en total, pero se fue sin ninguno a casa. Una lástima, Cate Blanchet era de las favoritas para llevarse el premio.

A continuación la lista completa de los ganadores:

CINE

Mejor película dramática:

  • Carol
  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • El renacido (The Revenant)
  • La habitación (Room)
  • Spotlight

Mejor comedia o musical:

  • La gran apuesta (The Big Short)
  • Joy
  • Marte (The Martian)
  • Espías (Spy)
  • Y de repente tú (Trainwreck)

Mejor dirección:

  • Todd Haynes – Carol
  • Alejandro González Iñárritu – El renacido (The Revenant)
  • Tom McCarthy – Spotlight
  • George Miller – Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Ridley Scott – Marte (The Martian)

Mejor actor protagonista en drama:

  • Bryan Cranston – Trumbo
  • Leonardo DiCaprio – El renacido (The Revenant)
  • Michael Fassbender – Steve Jobs
  • Eddie Redmayne – La chica danesa (The Danish Girl)
  • Will Smith – La verdad duele (Concussion)

Mejor actriz protagonista en drama:

  • Cate Blanchett – Carol
  • Brie Larson – La habitación (Room)
  • Rooney Mara – Carol
  • Saoirse Ronan – Brooklyn
  • Alicia Vikander – La chica danesa (The Danish Girl)

Mejor actor protagonista en comedia o musical:

  • Christian Bale – La gran apuesta (The Big Short)
  • Steve Carell – La gran apuesta (The Big Short)
  • Matt Damon – Marte (The Martian)
  • Al Pacino – Danny Collins
  • Mark Ruffalo – Infinitely Polar Bear

Mejor actriz protagonista en comedia o musical:

  • Jennifer Lawrence – Joy
  • Melissa McCarthy – Espías (Spy)
  • Amy Schumer – Y de repente tú (Trainwreck)
  • Maggie Smith – The Lady in the Van
  • Lily Tomlin – Grandma

Mejor actor de reparto:

  • Paul Dano – Love & Mercy
  • Idris Elba – Beasts Of No Nation
  • Mark Rylance – El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • Michael Shannon – 99 Homes
  • Sylvester Stallone – Creed. La leyenda de Rocky

Mejor actriz de reparto:

  • Jennifer Jason Leigh – Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
  • Jane Fonda – Youth
  • Helen Mirren – Trumbo
  • Alicia Vikander – Ex Machina
  • Kate Winslet – Steve Jobs

Mejor película de habla no inglesa:

  • El nuevo nuevo testamento (Le tout nouveau testament)
  • El club
  • The Fencer (Miekkailija)
  • Mustang
  • El hijo de Saúl (Saul fia)

Mejor guión:

  • Emma Donoghue – La habitación (Room)
  • Josh Singer y Tom McCarthy – Spotlight
  • Adam McKay y Charles Randolph – La gran apuesta (The Big Short)
  • Aaron Sorkin – Steve Jobs
  • Quentin Tarantino – Los odiosos ocho

Mejor banda sonora:

  • Alexandre Desplat – La chica danesa (The Danish Girl)
  • Carter Burwell – Carol
  • Bryce Dessner, Carsten Nicolai y Ryuichi Sakamoto – El renacido (The Revenant)
  • Ennio Morricone – Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
  • Daniel Pemberton – Steve Jobs

Mejor canción:

  • Love Me Like You Do – Cincuenta Sombras de Grey (Fifty Shades of Grey)
  • One Kind of Love – Love & Mercy
  • See You Again – Fast & Furious 7
  • Simple Sound #3 – Youth
  • Writing’s On The Wall – Spectre

Mejor película animada:

  • Anomalisa
  • El viaje de Arlo (The Good Dinosaur)
  • Del Revés (Inside Out)
  • Carlitos y Snoopy: La película de Peanuts (The Peanuts Movie)
  • La oveja Shaun. La película (Shaun the Sheep)

Premio Cecil B. DeMille:

  • Denzel Washington

TELEVISIÓN

Mejor drama

  • ‘Empire’
  • ‘Juego de Tronos’
  • ‘Mr. Robot’
  • ‘Narcos’
  • ‘Outlander’

Mejor actor en drama

  • Jon Hamm (‘Mad Men’)
  • Rami Malek (‘Mr. Robot’)
  • Bob Odenkirk (‘Better Call Saul’)
  • Liev Schreiber (‘Ray Donovan’)
  • Wagner Moura (‘Narcos’)

Mejor actriz en drama

  • Viola Davis (‘Hot to Get Away With Murder’)
  • Caitriona Balfe (‘Outlander’)
  • Eva Green (‘Penny Dreadful’)
  • Taraji P. Henson (‘Empire’)
  • Robin Wright (‘House of Cards’)

Mejor comedia o musical

  • ‘Casual’
  • ‘Orange is the New Black’
  • ‘Sillicon Valley’
  • ‘Transparent’
  • ‘Veep’
  • ‘Mozart in the Jungle’

Mejor actor en comedia o musical

  • Aziz Ansari (‘Master of None’)
  • Gael Garcia Bernal (‘Mozart in the Jungle’)
  • Rob Lowe (‘The Grinder’)
  • Patrick Stewart (‘Blunt Talk’)
  • Jeffrey Tambor (‘Transparent’)

Mejor actriz en comedia o musical

  • Rachel Bloom (‘Crazy Ex-Girlfriend’)
  • Jamie Lee Curtis (‘Scream Queens’)
  • Julia Louis-Dreyfus (‘Veep’)
  • Gina Rodriguez (‘Jane the Virgin’)
  • Lily Tomlin (‘Grace & Frankie’)

Mejor actor secundario

  • Alan Cumming (‘The Good Wife’)
  • Damian Lewis (‘Wolf Hall’)
  • Ben Mendelsohn (‘Bloodline’)
  • Tobias Menzies (‘Outlander’)
  • Christian Slater (‘Mr. Robot’)

Mejor actriz secundaria

  • Uzo Aduba (‘Orange is the New Black’)
  • Joanne Froggatt (‘Downton Abbey’)
  • Regina King (‘American Crime’)
  • Judith Light (‘Transparent’)
  • Maura Tierney (‘The Affair’)

Mejor miniserie o TV movie

  • ‘American Crime’
  • ‘American Horror Story: Hotel’
  • ‘Fargo’
  • ‘Flesh and Bone’
  • ‘Wolf Hall’

Mejor actor de miniserie o TV movie

  • Idris Elba (‘Luther’)
  • Oscar Isaac (‘Show Me a Hero’)
  • David Oyelowo (‘Nightingale’)
  • Mark Rylance (‘Wolf Hall’)
  • Patrick Wilson (‘Fargo’)

Mejor actriz de miniserie o TV movie

  • Lady Gaga (‘American Horror Story: Hotel’)
  • Sarah Hay (‘Flesh & Bone’)
  • Felicity Huffman (‘American Crime’)
  • Queen Latifah (‘Bessie’)
  • Kirsten Dunst (‘Fargo’)

Sam Mendes entrevistó a sus directores favoritos.

Siempre es interesante saber las opiniones, comentarios o anécdotas que los directores de cine no siempre dicen. Incluso es probable que sean conocidos por el hermetismo con el que guardan mucha información respecto a su forma de trabajo. Es por eso que hoy queremos traerles esta curiosa iniciativa que la revista Empire realizó con el director Sam Mendes (que en las últimas semanas se ha encontrado en la promoción de su nuevo filme, la última entrega del agente 007: Spectre): una entrevista a sus 16 directores favoritos en activo.

Mendes se dio a la tarea de realizar 10 preguntas a Steven Spielberg, Christopher Nolan, David Fincher, Sofia Coppola, Joss Whedon, Ang Lee, Rob Marshall, Edgar Wright, Alfonso Cuarón, Paul Greengrass, Steven Soderbergh, Susanne Bier, Joe Wright, Roger Michell, Alexander Payne y George Clooney.  Y a continuación los dejamos con las respuestas:


 

¿Alguna vez has abandonado el set por un enfado?

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Christopher Nolan: Una vez lo intenté, pero nadie se dio cuenta así que volví.

Steven Spielberg: Nunca me he ido del set antes y no puedo imaginar por qué lo haría.

David Fincher: No, pero he despejado el set para hablar con uno o varios actores.

Edgar Wright: Casi. Una vez en Spaced, de Channel 4, estaba teniendo un momento complicado rodando 15 escenas de 7 episodios diferentes con un equipo nuevo. Cuando fue la hora de la comida fui a dar un paseo y seguí caminando. Entonces llamé a mi productor desde la cabina de teléfono y dije “no puedo lidiar más con ello, deberías conseguir a alguien para el lunes.” Ella me dio una charla y volví al trabajo. Así que, nunca he perdido la cabeza en un set, pero puedo tener un increíble mal humor.

Alfonso Cuarón: Sí, sólo para volver sintiéndome muy estúpido.

Joe Wright: Rara vez pierdo la compostura y trato de no alzar la voz, pero he dejado el set por un enfado muchas veces. Me enfado o incluso lloro en vez de perder mi temperamento.

Paul Greengrass: Una vez, cuando no podía descubrir como rodar una escena de un diálogo a ocho bandas en el desierto en mitad de la noche. Después de golpear mi cabeza contra un vehículo militar durante 10 minutos tratando de descubrirlo, estuve bien ¡y en marcha!

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Ang Lee: Sólo he sido Hulk una vez.

Joss Whedon: Nop. He perdido los nervios pero no imponentemente. Salí de una prueba de efectos especiales en una silenciosa y furia cegadora, pero sólo durante un minuto, hasta que pude ver otra vez.

Rob Marshall: Ni lo considero como posibilidad.

Steven Soderbergh: No pero entré en el set con un enfado una vez, cuando un actor llegó tarde dos días seguidos.

Sofia Coppola: ¡Já! No.

George Clooney: No. La razón es porque en algún momento tienes que volver a entrar y eso sería demasiado humillante.

Susanne Bier: No.

Alexander Payne: Joder, no.

Roger Michell: Todavía no.


 

¿Cuál es tu frase más habitual en el set?

Director David Fincher on the set of Columbia Pictures' "The Girl With The Dragon Tattoo," starring Rooney Mara and Daniel Craig.

Fincher: “Cierra la puta boca, por favor.”

J. Wright: “Precioso. Una más.”

Greengrass: “A la mierda el guion/la iluminación/los extras, etc, ¡rodemos!”

Lee: A los actores, “¿Puedes acortar el espacio entre las frases?”

Clooney: “¿A qué hora es la comida?”

Cuarón: “¡Vámonos!” y “¿Quién no está listo?”

Whedon: Con voz estridente: “Venga, chicos, ¡soy el líder de toda la película…!”. Cuando quiero que la gente me tenga miedo y me respete. No es muy efectivo.

Payne: A los actores: “Genial, ahora más rápido.” A los miembros del equipo: “Si esto fuera fácil, hubiera contratado a un familiar.”

Michell: “Ok, ¿cuánto tiempo llevará?”

Nolan: “Sigamos.”

Spielberg: “Corten.” “Eso fue brillante.” “¡Una vez más!”

Soderbergh: ¿Este año? “Déjame tener los 18 en un palo.”

E. Wright: “Solo una vez más.” También creo que mis actores habituales pueden escuchar la cadencia en la manera que digo “y corten”, lo cual puede significar: “Eso fue genial, seguimos” o “Vamos a hacer ésta de nuevo.”

Bier: “Y si…”

Coppola: “Okay, genial, hagámoslo de nuevo.”

Marshall: “Corten. Fue genial.” Creo que siempre es importante dar apoyo de inmediato.


 

¿Música sí o no durante el rodaje?

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Greengrass: No, aunque una vez me paseé tocando la guitarra durante una hora cuando me aburrí de lo que estaba haciendo…

Spielberg: A veces pongo música en el set durante las escenas silenciosas. Para las últimas escenas entre David y su madre en ‘A.I.‘, puse la banda sonora de Morricone para ‘Cinema Paradiso‘.

E. Wright: ¡Sí, a veces música para volver a la gente loca! En Scott Pilgrim arruinábamos canciones constantemente. Y en ‘World’s End’ los actores tenían canciones en sus audífonos para que pudieran entrar al compás de The Doors. También recuerdo hacer sonar la intro de Teenage Fanclub desde mi portátil rodando un primer plano desde Paddy Considine a Rosamund Pike. También es divertido poner música a los finales de escena, para darles rotundidad.

Whedon: Nunca se me ha ocurrido. Excepto rodando movimientos de barrido con grúa, a veces tarareo un poco de alguna banda sonora durante la reproducción para ver si está teniendo el efecto que quiero.

Marshall: Bueno, la mayoría de películas que he hecho son musicales – así que a menudo digo “Playback!” en lugar de “¡Acción!”. ¡Pero la verdad es que no hay nada como tener música en el set! Crea ánimo, ritmo y emoción.

Lee: No.

THINGS WE LOST IN THE FIRE, producer Sam Mendes, director Susanne Bier, on set, 2007. ©Paramount

Bier: Ambos. Obviamente no a la vez.

Soderbergh: Sin música.

Payne: Sin música. Nadie tiene tiempo para eso.

Fincher: Sin música, a no ser que sea una escena en un club, en tal caso pondremos música ensordecedora para que los actores puedan hablar en el nivel esperado para el ambiente.

Clooney: Sin música.

Cuarón: No a menudo pero he puesto música específica para escenas concretas, si ayudaba a los actores a entrar en el estado de ánimo en el set. Chaplin solía tener un violinista en el rodaje. Estoy pensando en tener a Engelbert Humperdinck cantando para mi siguiente película.

Coppola: Sí, me gusta poner música en el set.

J. Wright: Siempre música y todo el tiempo. Tengo mi set equipado con un gran sistema de sonido y tengo un mini jack para mi iPod conectado a la silla de director. Encuentro que poner música es una manera directa de comunicarse con los actores y el equipo, especialmente aquellos miembros que están en la periferia del set. Me gusta bailar en el set también, es una buena manera de liberar tensión.


 

¿Cuáles son tus normas en el set para el equipo, si las tienes?

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Clooney: Si alguien tiene una buena idea, que hable.

Lee: Solo quiero que estén callados y concentrados.

Fincher: No estamos aquí como testigos, sino para participar.

Nolan: Teléfonos no. Teléfonos no. Teléfonos no.

Michell: Piensa en el futuro. Sé amable. Sáltate la comida. Ir pronto a casa.

Bier: No fumar. No charlar. Siempre dar las malas noticias con una sonrisa y una broma. También, no fumar.

E. Wright: Tengo mi propio monitor alejado del “video village” que está cercano a la cámara. Y no me gusta que nadie se quede detrás de mí hablando. Así que mi única petición cada hora o así es pedir al asistente que pongan a los charlatanes lejos de mí. Nada de charlas sobre fútbol al alcance de mi oído por favor.

J. Wright: Silencio durante los ensayos, nada de gritos y respeto para todos.

Marshall: Venir a mí directamente si hay algún problema. Para eso estoy aquí.

Greengrass: Decir lo que piensas.

Cuarón: Cualquier buen equipo sigue las normas no escritas de los rodajes (no hablar mientras la cámara está grabando, alejarse de la vista de los actores, etc) pero cada director tiene sus métodos. Me gusta montar la escena en un set vacío, solo con Chivo (Emmanuel Lubezki) y mi asistente cerca, y solo llevo a los jefes de los departamentos cuando estoy contento con la puesta en escena.

Payne: Nada de reglas. ¿Qué eres, británico o algo? Supongo que soy demasiado amable, con razón la gente se aprovecha de mí.

Soderbergh: Nada de zapatos abiertos.


 

¿Cuál es el máximo de tomas que has hecho?

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Spielberg: Hice 50 tomas de Robert Shaw montando la escopeta en Tiburón. El tiburón no estaba funcionando así que solo seguí rodando para que en el informe de producción pareciera que estábamos consiguiendo algo y llevar al reparto y al equipo de la locura al aburrimiento. Fue una estrategia de disimulo.

Fincher: 107.

Soderbergh: 48.

Clooney: 18.

Nolan: Nunca presto atención al número de tomas.

E. Wright: No creo que haya ido nunca hasta la locura de Kubrick. Así que quizá 20, o así… Pero normalmente son seis o siete tomas.

Payne: Probablemente unas 26. Normalmente de cuatro a seis, pero de vez en cuando, cuando los actores, el operador, la dolly y el asistente de cámara deben trabajar en sincronía, puede ser que tarde un poco hasta que salga bien.

Marshall: Trato de no hacer más de siete u ocho. Puede ser contraproducente.

CHILDREN OF MEN, Director Alfonso Cuaron, Julianne Moore, on set, 2006, (c) Universal

Cuarón: El proceso de las largas tomas no te permite muchas tomas. En el pasado he rodado unas 50 tomas de diferentes planos. A veces terminas utilizando la toma 64, a veces la 4.

Lee: Para interpretación, 13. Para acción, 36.

Bier: 25, creo. Lo cual, si estás intentando conseguir la mejor interpretación, es demasiado.

Michell: Como los bateadores autralianos actuales… raramente cifras de dos dígitos.

J. Wright: 37, quizá, no lo recuerdo bien. Estoy normalmente en el rango de 12 a 16 a no ser que sea una toma muy desafiante técnicamente.

Coppola: No lo recuerdo, ninguna locura, porque nunca tenemos mucho tiempo en el calendario.

Whedon: En una toma elaborada, 30. Con un poco de diálogo, rara vez he llegado a los dos dígitos.

Greengrass: No cuento a partir de diez.


 

¿Cuántas tazas de café tomas al día?

Director STEVEN SODERBERGH during the filming of the thriller “CONTAGION,” a Warner Bros. Pictures release.

Soderbergh: Nunca he tomado café. Dr Pepper es mi proveedor de cafeína elegido.

Spielberg: En mi vida he tomado una taza de café, pero tomo al menos una docena de tazas de té con menta al día.

Michell: Té verde o descafeinado.

J. Wright: Demasiadas, de ahí mi medicación. Conocí a mi última asistente cuando trabajaba como camarera así que tuvimos una máquina espresso en mi oficina: eso era peligroso.

Cuarón: Nada de café. Té verde por la mañana, té blanco por la tarde. Demasiados.

Whedon: Solo té, hasta ‘Vengadores: La Era de Ultrón’, donde me enganché. Incluso entonces, uno o dos. Con té entre medias. Puedo beber té todo el día.

Bier: Dos, quizá tres. Bebo mucho té de hierbas, 10 tazas o así. Un vicio poco excitante, lo sé.

Greengrass: ¡Más de las tomas que he hecho nunca!

Fincher: Tres como mucho, o me vuelvo muy sarcástico o vengativo.

Lee: Dos.

Clooney: Tres.

E. Wright: Demasiados. Una vez tuve un potencial ataque al corazón inducido por ocho dobles espressos en un día. Creo que mi asistente secretamente cambia mis cafés por descafeinados porque no quiere que muera por sobredosis de cafeína.

Marshall: Una por la mañana. Una a la hora del té. Pero siempre con hielo.

Nolan: Tantas que fui forzado a dejarlo y tomar té después de Insomnia.

Payne: Unos tres dobles espressos.


 

¿Cuál es tu mejor día en set?

kinopoisk.ru

Coppola: Cuando Bill Murray está ahí.

Clooney: Ver a David Strathairn hacer un monólogo de tres páginas en una toma para ‘Buenas noches y buena suerte’.

Spielberg: Mi mejor día en un set es cada día.

E. Wright: Cualquier momento en el que pienso en voz alta “No puedo creer que este sea mi trabajo” y recuerdo que soy un afortunado. Ya sea dirigiendo cientos de zombies, haciendo acrobacias locas o rodando grandes números musicales, me siento afortunado de haber hecho mi pasión mi vocación.

Whedon: No podría elegir. Cualquier día que consigo el material y mando al equipo a casa a tiempo es muy lindo. Si ese día implicó a gente bailando, probablemente iría en mi lista.

Cuarón: Cuando permites que lo inesperado ocurra y fluyes con ello.

Michell: El último día de rodaje.

Soderbergh: Cuando una escena difícil que has estado temiendo resulta ser fácil, rápida y buena.

Bier: Cuando una escena por la que te has preocupado resulta ser sorprendente.

J. Wright: probablemente el día que rodamos la larga toma en la playa para Expiación. Pasamos el día entero preparándola bajo el cielo nublado pero al atardecer, cuando estábamos preparados para rodar, el sol se hundió por debajo de la nube y todo funcionó, un gran esfuerzo en equipo. Todos nosotros, incluyendo los mil extras de la comunidad local de Redcar que trajeron a su familia y picnics, sintieron un sentimiento sincero de propiedad. Me quedé sereno cuando dije “corten”, aquel día.

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Marshall: El primer día de trabajo con un actor. Especialmente aquel que siempre he admirado. Y he sido afortunado de trabajar con tantos…

Fincher: Cuando el plan va totalmente mal y algo increíble sucede…

Payne: Siento sonar cursi, pero incluso el peor día en el set es el mejor día en el set, muy por encima de no rodar.

Greengrass: Probablemente en ‘Bloody Sunday’. No teníamos dinero para extras y nos la jugamos a unos meses de la fecha límite para persuadir a la gente de Derry a salir y marchar para nosotros en una sola tarde. Y lo hicieron, en decenas de miles. Verlos marchar, su paciencia, dignidad y compromiso, supe que la película tendría cualidad de verdad.

Lee: Ha habido muchos días, pero en la cumbra se encuentra un día en Brokeback Mountain, rodando la escena donde Ennis visita a los padres de Jack.

Nolan: El último.


 

¿Explosión real o CGI?

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Payne: Nunca hice una explosión, pero he tenido diarrea explosiva y eso fue muy, muy real. Menos mal que tenía mi tráiler.

Spielberg: Salvar al soldado Ryan presume de 100% explosiones funcionales.

E. Wright: Real. Mucho más divertido de rodar. En ‘Hot Fuzz’ incluso volamos una estación de policía en miniatura y me aseguré de estar allí cuando lo detonaron. Muy divertido.

Whedon: Real es real. Nada más es real. A no ser que sea un asunto de seguridad, no tiene rival.

Soderbergh: Real, desde luego.

Bier: Explosión real. Es muy divertido.

Marshall: Real, si es posible con una mejora por CGI.

J. Wright: Explosión real con mejora por CGI.

Lee: Real, con mejora ocasional por CGI para aumentar su sexualidad.

Nolan: Explosión real.

Clooney: Real.

Cuarón: Una explosión real no es solo más divertido de rodar, también ayuda a los actores y crea una energía en el set y por último en la escena.

Fincher: Real, contenida y fácilmente repetible (reset rápido, propano). En el set pero con incontables repeticiones de aumento por CGI.

Greengrass: Ambas. Realidad aumentada.

Coppola: No creo que haya hecho nunca explosiones.

Michell: ¿Eh?


 

¿Cuál es el consejo más útil que has recibido de un compañero director?

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Whedon: James Cameron me dijo, “Puedes contratar a los 50 mejores del negocio, gente que quieres, confías y respetas. Todos miran al monitor – tú serás el único que vea lo que está mal.”

J. Wright: “Toma cualquier experiencia que puedas haciendo lo que puedas para que cuando la gran oportunidad se te presente estés preparado tanto como puedas estar.” Sidney Lumet dijo eso pero no a mí, lo leí en su libro. Los directores no consiguen hablar con otros directores a menudo.

Coppola: Mi padre me dijo “Tu película nunca es tan buena como lo cotidiano y nunca tan mala como el montaje provisional.”

Lee: No me atrevo a decirlo en público.

Nolan: “Abre el kimono.” Soderberg diciéndome que no esconda mi proceso al estudio.

Clooney: “Solo rueda lo que vayas a necesitar.”

Marshall: Fue en realidad lo opuesto a lo que un director me dijo una vez. Dijo “Recuerda, todo el mundo está aquí para servirte.” Y mientras se iba, pensé para mí mismo “Es exactamente lo contrario: ‘Estoy aquí para servir a todos.’”

Cuarón: He sido bendecido con un montón de consejos de otros directores. Entre tantos “Controla tu energía”; “Historia, actores, localización”; “Falla en tus propios términos/reglas/condiciones”; “Una para mí y una por mí mismo”; “No te comas las rojas.”

Bier: El mejor consejo que recibí fue el resultado del peor consejo que recibí. Cuando estaba en la escuela de dirección, uno de los profesores me sugirió que era una buena idea para nosotros los directores integrarnos en el equipo, moviendo los cables, las luces, etc. Así que lo hice – y mi equipo me pidió, definitiva y educadamente, “haz lo que haces mejor y nosotros haremos lo mismo.” Lo que fue muy embarazoso, y un gran consejo.

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Greengrass: Antes de hacer mi primera película, habiendo trabajado previamente solo en documentales, fui a ver a Roger Michell, antiguo amigo de universidad, y por entonces un experimentado y brillante director de teatro y cine. Él me dio un consejo maravilloso. Dijo “Nunca toques a un actor.” Con lo que quiso decir – no guíes a un actor. No lo acorrales. No decidas por adelantado a donde deberían ir. Al contrario, escúchales siempre. Deja que siempre te guíen. Siempre intenta aclarar sus instintos. Porque tus actores siempre serán tu mejor guía hacia la verdad.

Soderbergh: “Escríbelo todo.”

Payne: “Siempre habla con los actores a solas y susurrando.”

Michell: “Si piensas que podrías necesitar un primer plano… Necesitas un primer plano.”

E.Wright: Jon Sayles tiene esta cita genial: “Nunca hagas más de dos tomas de alguien saliendo de un coche.” Pero la más inspiradora fue la que recibí personalmente por el ya mencionado Steven Spielberg, con quien me escribí emails la última semana de rodaje de “The World’s End” y respondió con esta frase: “Buena suerte en tu última semana. Termina fuerte.” Fui al día siguiente caminaba dando brincos.

Fincher: Scorsese una vez me dijo “Las cosas que haces pésimamente son tan parte de tu estilo como las cosas que haces bien…” Lo que era totalmente verdad, y extrañamente tranquilizador.


 

¿Por qué no te convertiste simplemente en un contador?

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J. Wright: Si pudiera haber hecho cualquier otra cosa en vez de convertirme en director probablemente lo habría hecho, pero no pude ver otras opciones. Era todo lo que podía y lo que he querido hacer siempre.

Spielberg: No podría haber sido nunca un contador. Suspendí matemáticas.

Fincher: No soy lo suficiente bueno con las “personas” para hacer ese tipo de trabajo.

Whedon: Soy un narrador. Esa es la esencia de mi ser. Además no puedo contar.

Marshall: ¡Qué gracioso! No está en mi ADN.

Soderbergh: Terrible en matemáticas.

Greengrass: 2+2= 5, ¿verdad?

Bier: Porque nunca he mirado una declaración de impuestos sin perder inmediatamente el conocimiento.

Coppola: Era inevitable, supongo, creciendo en sets. Nada parece tan divertido.

Michell: ¿Es demasiado tarde?

Cuarón: Los puestos estaban ocupados.

Lee: Dirigir una película es mucho más fácil para mí.

Clooney: Porque soy terrible en matemáticas.

Nolan: Hay suficientes cálculos numéricos en la cinematografía para satisfacer mis ambiciones contables.

E. Wright: Ni siquiera estoy a un tiro de piedra de ser el mejor director de cine del mundo pero puedo decir con la mayor certeza que yo sería el peor contador de todos los tiempos.

Payne: No me jodas.


Vía. Blog de Cine

 

Guía de estrenos: Lo más interesante del fin de año

Hace bastante que se acabó el verano, lo que en la industria cinematográfica significa que terminó la temporada de los estrenos más fuertes del año a nivel taquilla. O al menos a eso nos tenían acostumbrados.

Regularmente las fechas elegidas por los estudios para estrenar sus blockbusters se encuentran en el lapso del verano, dejando al otoño como la temporada de premios, donde se estrenan las películas que buscan nominaciones a entregas de premios importantes (cofcofOscarcofcof). Curiosamente la temporada navideña también ha sido importante para los estudios que quieren un lugar en el calendario para estrenar sus más importantes producciones, sean películas dispuestas a romper en taquilla, o películas dispuestas a romper las críticas. Es por esto que hoy les traemos una pequeña guía de los estrenos más esperados de lo que resta del año en cines comerciales. Y vamos a encontrar cosas de lo más variadas, incluida la que tal vez es la película más esperada del año.

ACTUALIZACIÓN  Hemos agregado el avance de Star Wars El Despertar de la Fuerza.

En cartelera

Misión Rescate (The Martian – Ridley Scott, EEUU)

Después de decepcionar a no pocos con Prometeo (2012) y Éxodo: Dioses y Reyes (2014), el señor Scott vuelve de nuevo a la ciencia-ficción con esta adaptación del debut literario del escritor Andy Weir. La historia nos ubica en un futuro no muy lejano, donde somos testigos de la lucha por sobrevivir del astronauta Mark Watney (Matt Damon). Dado por muerto y abandonado después que una tormenta marciana golpea a la nave que lo transportaba a él y su tripulación en una misión al planeta rojo, Watney debe encontrar la forma de comunicarse con la NASA mientras intenta no morir en nuestro planeta vecino.

Las opiniones son generalizadas y dicen que es de lo mejor de Ridley Scott en mucho tiempo. Se habla de un gran espectáculo, redondo, que va desde el drama hasta la comedia, además de interpretaciones más que destacadas. Ha sido todo un éxito en taquilla, superando incluso a Gravedad (Alfonso Cuarón, 2013) que se estrenó por las mismas fechas, cosechando fuertes ganancias.


En la Cuerda Floja (The Walk – Robert Zemeckis, EEUU)

El director conocido por la genial Volver a Futuro y sus dos secuelas vuelve este año con este drama, contando la historia del francés Philippe Petit, equilibrista famoso por haber caminado entre las extintas Torres Gemelas en Nueva York (historia ya retratada en el documental ganador del Oscar Man on Wire, en 2008). Protagonizada por Joseph Gordon-Levitt, acompañado por Ben Kingsley y Charlotte Le Bon, la película promete grandes interpretaciones así como un espectáculo visual único. Las opiniones dicen que tiene uno de los mejores 3D, y verla IMAX es toda una experiencia, aunque flaquea en su trama donde lo mejor son los actores.


21 de Octubre

Volver al Futuro II (Back to the Future II – Robert Zemeckis, EEUU)

Muchísima gente espera con ansias el 21 de octubre del presente año simplemente por ser una fecha especial. Es el día que Marty McFly nos visitará del pasado, y para entonces ya deberíamos tener autos voladores, hoverboards, Tiburón 19 y pizzas hidratantes. Lamentablemente no tenemos ni la mitad de las cosas que sí tenían en el futuro de Robert Zemeckis (la Pepsi de 50 dólares sí, aunque no a 50 y no tan fácil de conseguir ¡Cinemex la está vendiendo!) pero sí tenemos el próximo reestreno de la segunda parte de la trilogía ochentera favorita de muchos (¿de quién no?). La mala noticia es que solo estará en unas cuantas salas.


23 de Octubre

El Hombre Irracional (Irrational Man – Woody Allen, EEUU)

La cita anual con el cineasta neoyorkino favorito de muchos está aquí. Con Joaquín Phoenix y Emma Stone como la pareja protagonista, El Hombre Irracional cuenta la historia de Abe Lucas, un profesor de filosofía en plena crisis existencial que termina en una relación con Jill Pollard, su mejor alumna y a la que casi le dobla la edad. A pesar de los claros síntomas de desequilibrio mental que el profesor muestra, los dos continúan con una relación que parece no lleva a buenos lugares. La crítica la califica como un filme notable, aunque no como lo mejor de Allen. A pesar de ello es garantía para los que están familiarizados con el cineasta o para los que buscan algo diferente.


El Desconocido (Dani de la Torre, España)

Luis Tosar es un actor español altamente reconocido que no en pocas ocasiones ha demostrado su gran talento, y próximamente lo tendremos en este thriller que ha sido calificado como excelente, tanto por las interpretaciones como por la puesta en escena. En ella vemos la historia Carlos, un ejecutivo bancario que recibe una llamada anónima informándole que tiene solo unas horas para juntar una gran cantidad de dinero o una bomba en su asiento explotará. Una opción interesante si quieren ver algo más que solo cine anglosajón y si gustas de los thrillers.


El Puente de los Espías (Bridge of Spies – Steven Spielberg, EEUU)

James Donovan es un abogado de Brooklyn que se ve súbitamente inmerso en las entrañas de la Guerra Fría cuando la CIA le envía con el encargo casi imposible de negociar la liberación de un piloto de un avión U-2 estadounidense capturado por la Unión Soviética. Esta es la premisa de la nueva producción del rey Midas de Hollywood. Steven Spielberg vuelve después de tres años con este thriller-drama histórico, colaborando por cuarta ocasión con Tom Hanks. La crítica la pone como excelente, lo que es de esperar pues Spielberg nos tiene acostumbrados a un nivel que pocos directores pueden mantener, aunque en cierta forma tiene ya varios años que no sorprende. Es un profesional que parece hace todo bien. Habrá que ver si está entre lo mejor de su filmografía.


30 de Octubre

El Último Cazador de Brujas (The Last Witch Hunter – Breck Eisner, EEUU)

Vin Diesel sigue demostrando que tiene mucho tirón en taquilla (tan solo este año se marcó un gran éxito con Rápidos y Furiosos 7 – Furious 7, James Wan). Independientemente de su saga motorizada consentida, trata de involucrarse en otras producciones como la que nos trae este fin de año. El Último Cazador de Brujas no cuenta como Kaulder, descendiente de una antigua estirpe de cazadores de brujas, se ve obligado a colaborar con una poderosa enemiga para evitar una invasión que comenzará en la ciudad de Nueva York. Si bien la historia no es nada del otro mundo, la película promete acción y fantasía lo bastante emocionante para pasar un buen rato.


La Cumbre Escarlata (Crimson Peak – Guillermo del Toro, EEUU)

Después de traernos una de las mejores películas sobre mechas y kaijus, Guillermo Del Toro prueba ahora con una producción más modesta. Regresando a su estilo más personal, donde juega con el terror, lo gótico y  los fantasmas, La Cumbre Escarlata trata sobre Edith Cushing, una escritora que se ve envuelta en un dilema: como consecuencia de una tragedia familiar, ella se ve incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. Y al intentar de escapar de los fantasmas (literales) del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra y recuerda.

Personalmente todo lo que haga Guillermo del Toro me llama la atención, y considero que pocas veces a decepcionado, entregando siempre películas que van desde lo disfrutable y original, hasta verdaderas piezas de arte; así que su nueva película definitivamente es una que hay que tener en cuenta esta temporada. Actúan Mia Wasikowska, Jessica Chastain y Tom Hiddleston.


Yo, Él y Raquel (Me, Earl & the Dying Girl – Alfonso Gomez-Rejon, EEUU)

No podía faltar la película indie de la temporada, esa que parece diseñada a generar buenas críticas y buenas cifras en taquilla. La que nos va a llegar no es una novedad como tal ya que desde junio se estrenó en EEUU y ya ha pasado por varios festivales. Y si nos dejamos guiar por las opiniones que ha generado, parece que vale la pena pues es una historia fresca y conmovedora, al menos más que las películas basadas en los escritos del ya famoso John Green.

Basada en la novela del mismo nombre, veremos la historia de Greg que se encuentra en el último año del bachillerato y trata de pasarlo de la forma más anónima posible, mientras secretamente hace extrañas películas con Earl, su único amigo. Pero todo comenzará a cambiar cuando su madre le obliga a hacerse amigo de una compañera de clase con leucemia.


6 de Noviembre

007: Spectre (Spectre – Sam Mendes, Reino Unido)

James Bond regresa en la que parece será la última película con Daniel Craig y que cerrará el arco argumental que comenzó con Casino Royale. Esta nueva entrega es esperada por el público mexicano no solo por ser el agente 007, sino porque parte de la película fue filmada en el Centro Histórico de la Ciudad de México, esto a pesar de que la producción se vio envuelta por un escándalo de dinero (se dice que el gobierno mexicano pagó 14 mdd a Sony para que hiciera modificaciones de guión).

El agente James Bond encontrará un mensaje de su pasado el cual lo llevará a encontrar una organización siniestra llamada Spectre. Mientras M pelea contra fuerzas políticas para mantener con vida el servicio secreto, Bond va desentrañando un secreto que revelará la terrible verdad tras Spectre. Además de Craig, estarán de vuelta Ralph Fiennes, Ben Whishaw y Naomi Harris. Las novedades son Monica Bellucci y Léa Seydeoux como las chicas bond, así como Dave Bautista y Christoph Waltz como los villanos de la función. Después de lo bien recibida que fue Skyfall (2012), Sam Mendes repite en la dirección, y promete ser la mejor de Bond con Craig como protagonista.


20 de Noviembre

Los Juegos del Hambre: Sinsajo El Final (The Hunger Games: Mockingjay – Part 2 – Francis Lawrence, EEUU)

Llega por fin la última parte de la saga que le dio la fama a Jennifer Lawrence. Basada en el último libro de la trilogía de Los Juegos del Hambre (después de partir en la historia para sacar dos películas en lugar de una) seremos testigos de la batalla final liderada por Katniss contra el Capitolio. Después de ser simbolizada como el ‘Sinsajo’, ella y el Distrito 13 participan en la revolución contra el presidente Snow.

Mientras la primera parte de Sinsajo se limitó a preparar terreno para la batalla fina, entregándonos la entrega más floja hasta el momento (después de una segunda parte mucho mejor que la primera), Sinsajo El Final promete un final épico, emocionante y apoteósico, al menos sobre el papel. Si eres seguidor de la franquicia seguramente quedarás satisfecho, de lo contrario puede que no cumpla las expectativas por culpa de una trama algo descafeinada y algo superficial. Si no buscas algo más que entretenimiento, seguramente valdrá el boleto.


27 de Noviembre

Un Gran Dinosaurio (The Good Dinosaur – Peter Sohn, EEUU)

¿Qué hubiera ocurrido si el asteroide que cambió para siempre la vida en la Tierra no hubiera impactado contra el planeta y los dinosaurios jamás se hubieran extinguido? Ésta es la interrogante de la que parte la nueva producción de Pixar. Después de cosechar otro éxito comercial con Intensamente (Inside Out, 2015) Disney nos trae otra producción su estudio estrella en menos de un año (algo raro ¿no?). Conoceremos un Apatosaurio llamado Arlo que termina teniendo un compañero bastante improbable en el camino: un niño humano. Mientras viaja a través de un paisaje montañoso y misterioso, Arlo aprende a confrontar sus temores y descubre lo que realmente es capaz de hacer.

El sello Pixar garantiza un despliegue técnico de primera, así como un entretenimiento tanto para chicos como para grandes. En lo personal creo que la genialidad de Pixar hace mucho que no la vemos, a pesar de eso siempre entregan películas con un nivel de calidad bastante alto, y Un Gran Dinosaurio no creo que sea la excepción. La dirección corre a cargo del debutante Peter Sohn, así que las expectativas son cautelosas.


4 de Diciembre

En el Corazón del Mar (In the Heart of the Sea – Ron Howard, EEUU)

Ron Howard es un director con amplia experiencia en cine oscarizado, sus películas bastante correctas pero pocas realmente destacadas, sobre todo si se le compara con obras de cineastas realmente grandiosos. En su filmografía variopinta destacan Una Mente Brillante (2001), las adaptaciones de las novelas de Dan Brown El código Da Vinci (2006) y Ángeles y Demonios(2009), y Rush, pasión y gloria (2013) (esta última catalogada como su mejor película).

Ahora llega con En el Corazón del Mar que nos ubicará en el invierno de 1820. Owen Chase y otros marineros de la tripulación del Essex sobrevivieron en alta mar en durísimas condiciones después de que el barco chocara con una enorme ballena blanca. Owen, obsesionado con la idea de dar caza al cetáceo, se enfrentó a las tormentas, al hambre y a la desesperación. Inspirada en la historia real en la que se basó Herman Melville para escribir el famoso relato ‘Moby Dick’. Espectáculo asegurado. Protagoniza Chris Hemsworth, que es acompañado por Cillian Murphy y Tom Holland (el nuevo Spiderman).


17 de Diciembre

Star Wars Episodio VII: El Despertar de la Fuerza (Star Wars: Episode VII – The Force Awakens – J.J. Abrams, EEUU)

Definitivamente la película más esperada del año por el público en general, y vaya que hay razones para ello. Después de decepcionar y alegrar a muchos con los tres primeros episodios de su querida saga (y de paso generar millones de dólares en taquilla y marketing), George Lucas tenía en mente una tercera trilogía que contaría la historia después de El Regreso del Jedi (1983), pero pasaba el tiempo y nada se concretaba. Tuvo que llegar el año 2012 para que Disney comprara el 100% de Lucasfilm Ltd., y de paso hacerse por completo de los derechos relacionados con Star Wars. Disney de inmediato comenzó la maquinaria y puso en marcha la producción de la tan ansiada tercera trilogía. Dejando en manos de J.J. Abrams (Alias, Lost, Star Trek) la co-escritura y dirección del séptimo episodio, se espera muchísimo de El Despertar de la Fuerza.

star wars

Veremos qué ha pasado con Luke (Mark Hamill), Leia (Carrie Fisher) y Han-Solo (Harrison Ford), así como La Fuerza, los restos del Imperio (ahora transformado en La Orden), las consecuencias de su disolución, y veremos de nuevo a todos los personajes conocidos y por conocer. Los tres nuevos protagonistas son Finn (John Boyega), Poe Dameron (Oscar Isaac) y Rey (Daisy Ridley), pero la trama principal se seguirá enfocando en la familia Skywalker. Encontraremos como nuevos villanos a Capitán Phasma (Gwendoline Christie), General Hux (Domhnall Gleeson) y Kylo Ren (Adam Driver) como el nuevo enemigo que hace uso de La Fuerza y el icónico sable láser rojo. La sinopsis hasta el momento de escribir este artículo es desconocida, pero en el momento que se libere el nuevo tráiler que saldrá a la luz hoy, actualizaremos la entrada con dicho avance y sinopsis.

No hay nada más qué decir. Seguramente verán la película, por gusto, ansia y hype, o por mera curiosidad, pero seguramente la verán.


25 de Diciembre

Steve Jobs (Danny Boyle, EEUU)

Y por último, en plena Navidad, tendremos otro estreno fuerte y muy esperado (guardando distancias con Star Wars, claro). Se trata del biopic de Steve Jobs, basado en el libro homónimo de Walter Isaacson. Dirigida por el bueno de Danny Boyle (de él son Trainspotting, 28 Días DespuésSlumdog Millionaire), la película retrata tres eventos importantes en la vida de Jobs y Apple, la compañía que él fundó junto a Steve Wozniak. Uno de los puntos interesantes de la película es cómo reflejarán la vida y decisiones del famoso empresario, que pretende ser lo más realista posible, no tomando perspectivas que lo idealizan, pero sí mostrando a la persona detrás de las cortinas.

Las críticas la ponen como una película más que notable, y destacan la actuación del incombustible Michael Fassbender. El guión es otro punto que se aplaude, cosa que se esperaba al estar escrito por Aaron Sorkin, conocido por su excelente mano al crear diálogos de primera, así como por haber escrito los guiones de La Red Social (The Social Network, 2010) o El Juego de la Fortuna (Moneyball, 2011). Completan el reparto Seth Rogen, Kate Winslet y Jeff Daniels.


Como ven hay una fuerte cartelera para cerrar el año. Independientemente de qué les guste más o menos, esperemos que disfruten aunque sea una vez de buen cine este último trimestre del año. Y a prepararse, que 2016 viene interesante, desde el regreso de Iñárritu y su Renacido, hasta el encuentro de los dos superhéroes más famosos del mundo.

Fuente de fechas. Cinemex